Director del MoMA en PR: Museums in the XXIst Century

(Dr. Glenn D. Lowry, Director del MoMA
Fotografía de PrimeraHora.com) 

Este pasado miércoles 28 de octubre el Dr. Glenn Lowry, director del Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York, se presentó en San Juan a una audiencia compuesta mayormente de amigos del Museo de Arte de Ponce así como también de otros profesionales en el campo de los museos y las artes visuales en Puerto Rico. Afortunadamente tuve la oportunidad de asistir a su charla titulada Museums in the XXIst Century la cual estuvo dirigida al asunto de la recaudación de fondos (los conocidos capital campaigns) para mejoras y expansiones. Pero el Dr. Lowry hizo mucho más que eso; compartió su experiencia como director de uno de los museos más importantes del mundo abordando diversos aspectos de su difícil tarea. Luego de una presentación de la presidenta de la junta de directores del museo, así como del director del MAP, este neuyorquino de gran estatura (literal y figurativa) compartió también sus impresiones sobre la labor realizada por el MAP y señaló que ambos edificios, el original del MoMA y el del MAP fueron diseñados por Edward Durell Stone, en el 1937 y 1961 respectivamente. Actualmente el MoMA cuenta con aproximadamente 650,000 pies cuadrados de espacio para sus operaciones administrativas, espacio para exposiciones, centro educativo, biblioteca, tienda, y jardín escultórico. Más allá de lo magnífico que es el MoMA como institución y como motor del arte moderno desde su fundación en el 1929, la charla fue una oportunidad para considerar el estado actual de los museos en general en relación con la crisis económica tanto en los Estados Unidos como en Puerto Rico. El Dr. Agustín Arteaga, director del MAP compartió datos sobre la gran aportación cultural que ha hecho y hace el museo en nuestra isla, pero además dio algunos detalles del beneficio económico que tiene la ciudad y el país por tener el museo operando y dando servicio a la comunidad en general. Toda esta discusión me hizo pensar en una reciente proclama del Presidente Obama en la cual declara a octubre el mes nacional de las artes y las humanidades. En la proclama nos dice el Presidente:

"The arts and humanities also bring our economy untold benefits. Millions of Americans take part in the non-profit and for-profit arts industries. Cultural and arts activities not only contribute tens of billions of dollars to our economy, but also inspire innovation. In neighborhoods and communities across the Nation, the arts and humanities lie at the center of revitalization, inspiring creativity, ideas, and new hope in areas that have gone too long without it."

A raíz de esto, se preguntaba una amiga historiadora del arte el otro día, que si nos quieren tanto (refiriéndose a los que trabajamos en el área del arte y la cultura), ¿por qué el aparato gubernamental no ofrece un apoyo proporcional a las instituciones y el personal que se dedican precisamente a investigar, presentar, y divulgar el arte? Si la consideración es económica, al parecer los números indican (tanto en PR como en USA) que las instituciones culturales particularmente los museos en muchas ocasiones presentan un beneficio económico para las ciudades donde están localizadas. También como dice el Presidente, el arte ha servido para mejorar grandemente la educación de los jóvenes incluso en áreas científicas y otras disciplinas. Sería fácil entender que al igual que invertir en la calidad y recursos de instituciones universitarias, asignar fondos y recursos a los museos y otras instituciones dedicadas a las artes visuales son una inversión para la sociedad y para el país. ¿Por qué los artistas plásticos no gozan de muchos de los beneficios o apoyo que se le brinda a los atletas por ejemplo? Basta con considerar países europeos e incluso muchos países latinoamericanos para quienes la cultura es parte fundamental e inquebrantable de la espina dorsal de sus economías, turismo, mercado, educación, etc. Queda entonces la tarea de reflexionar sobre el aparente desdén hacia la cultura y las artes que vivimos en Puerto Rico en estos días. No me refiero al sentido de orgullo nacional y folklórico que sienten muchos puertorriqueños cuando escuchan un toque de bomba y plena, o ven una talla de santos, o cuando escuchan a un trovador improvisar. Me refiero a la falta de una política pública bien estructurada, organizada y debidamente respaldada con fondos y recursos. Una política que cuente con un acervo de expertos con preparación en las áreas necesarias para no sólo promover el arte si no, para incorporar el arte en el quehacer diario del país. Y además y muy importante, para hacer de ese quehacer uno competitivo a nivel internacional. Decir que nos encanta el arte no es suficiente, asistir a las inauguraciones de exposiciones no es suficiente, comisionar artistas para exponer sus creaciones en bancos y hoteles no es suficiente. Se necesita urgentemente una transformación de la idiosincracia político-institucional que sea inclusiva y progresista, que se vea en el arte a sí misma y que cree infraestructuras que provean para el desarrollo integral de la sociedad y del ciudadano. Ya algunas instituciones como el MAP lo están haciendo. Hace falta que instituciones de gobierno así como privadas en otras áreas así lo hagan. No quisiera ser tan pesimista y pensar que estamos viviendo una de esas situaciones donde se comenta que un pueblo ignorante es un pueblo que es mucho más fácil de manipular. El arte despierta, educa, provoca, cuestiona, critica, irrita, conmueve y transforma. Y así también la experiencia de ésta, su estudio, interpretación nos hace más abiertos, tolerantes, creativos, y como consecuencia catalíticos de transformación social a nivel local y también a nivel macro.

Dalí para el iPhone

"Teléfono frappé, teléfono color de menta, teléfono afrodisíaco, teléfono langosta, teléfono con funda negra para tocadores de sirenas con uñas con funda de armiño, teléfonos Edgar Allan Poe con un ratón difunto en su interior, teléfonos Boecklin instalados en el interior de un ciprés (y con una alegoría de la muerte incrustada en plata en su dorso), teléfonos andantes y amarrados, atornillados a la espalda de una tortuga viva...teléfonos...teléfonos...teléfonos..."
Salvador Dalí, Vida Secreta de Salvador Dalí, 1942.

Dalí siempre quiso que su arte llegara a todos los rincones posibles y que la mayor cantidad de gente pudiera disfrutarlo. Aún hoy a veinte años de la muerte de este gran maestro del pincel y de muchas otras cosas, esa idea se mantiene viva. En esta ocasión se trata de un juego para el ubicuo y popular iPhone de Apple. Durante el mes de octubre la Fundació Gala-Salvador Dalí de Figueres, la primera institución en el mundo en la preservación y protección del legado de Dalí (y fundada por el propio artista en el 1983), anunció en su página web el lanzamiento de un juego para el iPhone. El mismo se puede descargar gratis a través del programa iTunes o desde el App Store del propio teléfono. El juego presenta la famosa pintura La Persistencia de la Memoria (a veces conocida como "la de los relojes blandos") de la colección del Museum of Modern Art de Nueva York. Sus relojes se han desplazado a otras famosas pinturas del artista y el jugador debe encontrarlas para volver a localizarlas en su lugar. Más allá de divertir y estimular los sentidos a través de los visuales y efectos de audio, la aplicación ofrece información sobre cada obra presentada: título (en inglés, español, francés y catalán), fecha, dimensiones y colección donde se encuentra. De esta forma el juego no sólo entretiene si no que también educa y despierta el interés de conocer otras obras de Dalí. Las seis pinturas que se muestran en el juego aparecen reproducidas en alta resolución y se pueden apreciar en un pequeño índice o a pantalla completa. Simplemente hermosas. Ojalá se pubiquen prontamente otras aplicaciones similares de más obras de Dalí y de otros artistas que podamos disfrutar en nuestros teléfonos. Por el momento, para mí Dalí y el iPhone es una combinación perfecta.

Los límites de la expresión artística

Fotografía: Gisela Carbonell-Coll

Hace un par de semanas se dió un debate en Puerto Rico en respuesta a la censura del Departamento de Educación de cinco textos literarios, cuatro de estos de autores puertorriqueños y uno de un autor mejicano. Todos muy reconocidos y algunos de ellos ganadores de múltiples premios de literatura. El anuncio de la decisión de retirar estos textos del currículo de las escuelas públicas no tardó en generar respuestas de varios sectores de la sociedad de esta islita. Los autores de los textos, los maestros, periodistas, religiosos, universitarios, moralistas y unos cuantos otros manifestaron su disgusto o su apoyo según fuera el caso a la directriz del secretario. Aproveché la coyuntura para comentar con algunos de mis estudiantes de historia del arte, dónde radican los límites de la expresión artística y cómo decidimos lo que es permisible incluír en el currículo académico. Nos cuestionamos si la expresión artística debe tener límites y si es así, ¿cómo, dónde, quién, y cuándo se establecen? Esta discusión no es nueva claro está. Sin embargo, el que censuren obras literarias porque contengan palabras soeces o descripciones de situaciones sexuales, más allá de las implicaciones políticas y sociológicas que esto pueda tener, suena la alarma roja en cuanto a la creación y diseminación del arte visual y de cómo ésta disciplina se enseña.

Me pregunto, y le planteaba a algunos con quienes comentaba este asunto, ¿qué consecuencias tendría el que me dieran la directriz de eliminar imágenes de desnudos en mis cursos de historia del arte alegando que son moralmente cuestionables? ¿Qué pasaría si me censuran las imágenes canónicas de la disciplina porque algunos opinen que son obscenas, groseras, violentas, repugnantes, sacrílegas, etc.? ¿Qué pasaría si no puedo enseñar el David de Miguel Ángel, obra que en todo su magnífico esplendor anatómico epitomiza la visión del humanismo renacentista tan crucial para comprender el desarrollo de las culturas occidentales, el sistema de educación comprensiva, el rescate de los ideales de la antigüedad, el poder político, las implicaciones religiosas, el genio de un artista, y tantas otras cosas más? ¿Qué pasaría si institucionalmente se implementa una oposición a mostrar la Maja Desnuda de Goya, las imágenes explícitas de Egon Schiele, las vasijas griegas algunas decoradas con escenas sexuales, la Venus de Milo o las mujeres mutiladas y distorcionadas de deKooning o de Picasso? Más aún, la peligrosidad de esta movida de Educación va más allá de lo objetable del contenido sexual de algunas obras. ¿Qué pasa entonces si se objetan también representaciones de actos violentos? ¿Se justifica que se enseñen si estas se basan en escenas bíblicas por ejemplo? ¿Llegará algún día una orden que prohíba enseñar una escena de una decapitación de Gentileschi, una detallada obra de Caravaggio, o una fotografía de André Serrano?

El arte no es un asunto moral, al menos en mi opinión no debe serlo. Puede que alguna de las obras mencionadas en este post no sean del agrado personal de un individuo--no necesariamente le tiene que agradar visualmente--pero eso no quiere decir que la obra no tenga grandes méritos en términos sociales más allá de los artísticos por los que se deba estudiar. Usted puede pensar que el David es feísimo, pero eso no significa que no reconozca la importancia de esta obra en el desarrollo de la historia del arte renacentista, de la situación política de Florencia a principios del siglo XVI, y la magistral técnica empleada por el artista que la creó. Y esto es lo que es importante enfatizar a la hora de educar sobre arte. Una vez el estudiante conozca el contexto, las circunstancias, las implicaciones históricas, artísticas, etc., que decida por él mismo si le gusta o no. En gran medida aquí radica la diferencia fundamental entre la crítica del arte y la disciplina académica de la historia del arte a la que me dedico. No debemos juzgar el arte porque se ajuste o no a nuestros gustos o a nuestros valores personales. Como historiadores, nuestra responsabilidad es ofrecer las herramientas para que los estudiantes tengan la oportunidad de analizar críticamente y que de esa reflexión se desprendan ideas, pensamientos y prácticas que las puedan aplicar a otras situaciones en su cotidianidad.

Arte y gestión social--Art Center/South Florida

(fotografía por Gisela Carbonell-Coll)

Mucho se ha estado debatiendo sobre el papel del arte en momentos de crisis económica a nivel local y mundial. Así también hemos considerado el papel de la crisis económica en el mundo del arte. Incluso a nivel académico el debate ha cobrado una importancia mayor. Este verano por ejemplo, tomé un seminario intensivo en NYU sobre arte y política pública donde se examinó este tema a gran profundidad. A principios de año nos enteramos de la espeluznante noticia de la posible venta de la colección de The Rose Art Museum de Brandeis University en Boston y el subsecuente cierre de dicha institución (al día de hoy el museo continúa abierto y hay información de que el mismo aparentemente no se cerrará). Los esfuerzos de promover asuntos de relevancia social a través del arte se han convertido en esta coyuntura sumamente necesarios. A través de los medios de comunicación se nos bombardea constantemente con la fatalidad y el horror de nuestro momento histórico. Pero este momento histórico también goza de unos espacios e instancias de acción, de concienciación, y de cambio dignas de mencionar, de admirar, y sobre todo de emular.

Uno de estos espacios lo es el Art Center/South Florida localizado en el privilegiado vecindario de Miami Beach. El edificio principal del Art Center queda en la intersección de Lincoln Road (una de las vías principales de Miami Beach donde se encuentran restaurantes y tiendas de nivel relativamente alto) y Meridian Avenue. El mismo no es un museo. Tampoco es una galería comercial. Es más bien un espacio alternativo para crear, enseñar, y exhibir trabajos artísticos. El Art Center es una organización sin fines de lucro la cual provee residencias (espacios de taller usualmente por periodo de un año) a aproximadamente cuarenta artistas emergentes los cuales son elegidos por una junta al solicitar estos espacios de trabajo. Aquí se desmorona la visión mítica del artista bohemio, solitario y enigmático que lamentablemente muchas personas aún tienen en el siglo XXI. Por el contrario, el Art Center esta abierto al público general, no hay que hacer cita para ir, ni tampoco pagar para entrar. El público puede caminar libremente por los pasillos y ver a los artistas residentes trabajando. Muchos de ellos lo hacen a puerta abierta invitando a los visitantes a detenerse a saludar, preguntar y conversar. Y claro está, algunos tienen piezas a la venta. El ambiente me pareció fantástico. Además la localización le provee a estos artistas una oportunidad magnífica de exponerse y estrechar relaciones con los museos y las galerías del área de modo que puedan ampliar sus posibilidades. Pero eso no es todo. También cuenta con un espacio de exhibición el cual también es abierto al público y libre de costo. Allí pude ver la exposición Freedom Fighters, Freedom Fighters is their Name, Freedom Fighters is their Game. La misma consiste de afiches de películas ficticias que abordan figuras consideradas freedom fighters, algunas de ellas esclavas, abolicionistas y luchadores por los derechos civilies de los afro-americanos como Harriet Tubman, Nat Turner, y otros. La exhibición estuvo tremenda. Pero también me pareció sumamente interesante el que este tipo de propuesta viva y respire en uno de los sectores de lujo y privilegio en la ciudad de Miami; un área turística donde el art deco se entrelaza con el kitsch, el salitre, y las discotecas. Así que el Art Center en lugar de irse a un espacio marginado y desde allí intentar alcanzar al tipo de público que carece de impacto, se inserta en este lugar confrontando día a día este sector. A través de sus actividades también ofrecen cursos de arte, y otras actividades de servicio a varias comunidades.

En fin, que la próxima vez que vaya a Miami a visitar a sus familiares o a Orlando a visitar a Mickey Mouse, de la vuelta por Miami Beach. A pesar del estereotipo que muchos tienen de Miami, esta ciudad cuenta con una oferta artística y cultural interesante. No todo es playa, shopping y vida nocturna allí.

A continuación algunos lugares que recomiendo visitar cuando esté por Miami:

(puede encontrar direcciones, horarios e información fácilmente en internet)

-Art Center/South Florida (Lincoln Road)

-Britto Central Gallery (Lincoln Road)

-Lowe Art Museum, y jardín escultórico en la Universidad de Miami (Coral Gables)

-Art Deco Welcome Center y Art Deco Walking Tour (Ocean Drive, South Beach)

-Jackie Gleason Theater of the Performing Arts, escultura de Roy Lichtenstein en su jardín y el City of Miami Beach Walk of the Stars también en el jardín (Washington Avenue, Miami Beach)

-Bass Museum of Art (Park Avenue, South Beach)

-Holocaust Memorial (Meridian Avenue, South Beach)

-Museum of Contemporary Art (North Miami)

-Cows of Miami Lakes, Public Arts Project by Artist Xavier Cortada (varias instalaciones en el pueblo de Miami Lakes)

-Versace Mansion (Ocean Drive, South Beach)

Technology as part of creative process (story from BBC.co.uk)

Hockney turns to mobile artwork

David Hockney has recently returned to his native Yorkshire

In a career that has spanned five decades, artist David Hockney is still at the cutting edge of art.

The 72-year-old has embraced new technology by using his iPhone to create new works of art.

"I'm aware of the history of images. Not as art, but how images are made. I'm aware of new things happening," he told the Radio Times magazine.

Hockney also talked about returning to his native Yorkshire after living in California for over 30 years.

Digital photographs

Speaking about his iPhone work, Hockney said: "One morning recently, I made a drawing on my iPhone while I was still in bed, of flowers through the window, and the sunrise, which I could then [email] to 12 people, without it ever having been photographed or printed, and that's very new."

Hockney has also used digital techniques to paint some of his more traditional landscapes.

To get the right scale for these landscapes, he painted across multiple canvases that he then digitally photographed and pieced together on screen.

"That was the only way to see the [whole] painting," he explained.

"Then I'd take the canvases outside and work on them again. Working this way gives the painter new scope. I'm sure that if Constable or Turner had figured it out, they'd have done it too."

I'm at the time in my life when I'd actually rather just get on with my work and be left alone David Hockney

After decades in California, Hockney has returned to his native Yorkshire, living and working from his late mother's house in Bridlington.

He said the move has made little difference to his day-to-day working.

"I'm at the time in my life when I'd actually rather just get on with my work and be left alone," he said.

"I live the same as I did in Los Angeles; I don't go out much, and I spend most of the time working and reading. It's partly because of my deafness that I don't like crowds or noise. But if I was in LA, or London, I'd be interrupted too much."

His homecoming has been documented by Bruno Wollheim in his new film A Bigger Picture, to be shown on BBC One as part of Alan Yentob's Imagine… season.

In 2012, Hockney will also have his own show at the Royal Academy which will focus on his Yorkshire work.

He added: "I'm aware I've got a very good subject, and with each season, I begin to see more.

"Remember, I've been living for years without seasonal changes. I'm just happy to be living in a terrific place; a cosy, quiet little town. I couldn't ask for more, really."

Imagine... David Hockney - A Bigger Picture can be seen on BBC One on Tuesday 30 June at 2235 BST.

From: http://news.bbc.co.uk/2/hi/entertainment/arts_and_culture/8114741.stm

Roxy Paine on the Roof

(Photographs by Gisela Carbonell-Coll)

Last week I had the chance to visit the Metropolitan Museum in NYC and was amazed by Roxy Paine's Maelstrom. I loved the way this complex stainless steel system of branches spread out all over the roof garden at the Met. In order for the viewer to experience the piece, he/she must walk around it, into it, under it, etc. It is just amazing. My pictures are not as good as I thought they could be since it was so cloudy and gray that day, there is not much of a contrast but still I enjoyed it very much. The piece will be on view until October 25.

Tecnología para unir artistas puertorriqueños

En estos días descubrí un recurso cibernético magnífico para los artistas, curadores, e historiadores del arte puertorriqueños. Se trata de una página de internet accesible a través de http://artistasdepuertorico.ning.com/ la cual funciona de forma muy parecida a una página de Facebook. La presencia de la Coalición de Artistas de Puerto Rico en el internet es una magnífica oportunidad para nuestros artistas y todos aquellos envueltos en el quehacer artístico y cultural de nuestra isla y para aquellos puertorriqueños en otros lugares del mundo. La página ya tiene casi 300 artistas, profesores, curadores, etc. registrados y en diálogo. Me parece un recurso magnífico para comunicarnos, conocernos, y conocer los trabajos de compañeros y compañeras comprometidos con la creación y divulgación del arte. Luego de registrarse y crear un perfil, puede añadir fotos, música, biografía, y mucha otra información. Es como un directorio interactivo especializado. Provee además la oportunidad de entablar discusiones a través de una función de chat en tiempo real, divulgar artículos relacionados al arte y abre las puertas de nuestra isla a través del espacio virtual. Recientemente se publicó en el periódico el Nuevo Día un reportaje sobre la creación de ésta página que incluye entrevistas con los responsables de la misma. El artículo se puede accesar aquí. Ojalá que se registren muchos más y que le saquemos provecho a este extraordinario recurso en beneficio del arte en Puerto Rico.

¡Gracias!

Muchas gracias a todos los amigos, colegas, y estudiantes que asistieron a la presentación "Revelaciones Sobre Dalí." Sus comentarios, observaciones, y preguntas estimularon un diáologo productivo y ameno. Agradezco infinitamente su interés. ¡Nos vemos en la próxima!

Estimados colegas y amigos,
Saludos. El martes 5 de mayo 2009 a las 10:30 a.m. ofreceré una conferencia ilustrada sobre los hallazgos de mi proyecto de tesis doctoral la cual completé en enero de este año en la Universidad de Illinois en Urbana-Champaign titulada A Spaniard in New York: Salvador Dalí and the Ruins of Modernity 1940-1948. La actividad se llevará a cabo en el Museo Universitario Dr. Pío López Martínez de la Universidad de Puerto Rico en Cayey. Luego de la presentación habrá una sesión de preguntas y respuestas así que espero entremos en un diálogo ameno e interesante sobre la obra de este controversial artista.
¡Cuento con su asistencia!
Atentamente,
Dra. Gisela Carbonell-Coll

CIRCA 09

Este fin de semana se llevó a cabo por 4ta vez la feria internacional de arte contemporáneo CIRCA 09 en el Centro de Convenciones de Puerto Rico. La feria reúne galerías y artistas de Puerto Rico y otros países del mundo para promover y vender su arte. Es una oportunidad de encuentro también para conocer artistas, aficionados al arte y hacer "networking." La feria, como en ocasiones anteriores, incluyó un gran número de puestos de exposición así que como de costumbre el recorrido fue largo. Además de la feria en el Centro de Convenciones, CIRCA organizó una serie de eventos en otros espacios. Este año celebraron los Circa Labs @ Plaza, un gran número de performances en el estacionamiento de Plaza las Américas en Hato Rey. Estos incluyeron presentaciones de varios Djs y de los artistas del arte del tatuaje del programa Miami Ink. Estos eventos se anunciaron un tanto en la prensa del país, pero sin embargo en la página de internet de CIRCA (www.circapr.com) no se hace mención alguna de los mismos. La página tampoco incluyó información sobre el itinerario de actividades relacionadas a la feria que se llevarían a cabo dentro o fuera del Centro (la versión impresa del programa sí estaba disponible al llegar a CIRCA).

Comparando con años anteriores, CIRCA se ha convertido en un evento sumamente ambicioso. La cantidad de artistas representados es extensa y la lista de los países participantes parece también ser más diversa con galerías y artistas de España, Alemania, Colombia, Venezuela, Canadá, etc. Como es de esperarse artistas puertorriqueños establecidos como Rafi Trelles, Arnaldo Roche, y Aarón Salabarrías entre muchos otros estuvieron representados allí. Me pareció muy positivo que se designara un área de "solo projects" donde promovían su arte algunos artistas emergentes. De estos se destaca en mi opinión el artsita Karlo Andrei-Ibarra. Su propuesta artística es de contenido social y político comunicada a través de metáforas, ironía, y ¿por qué no? un cierto grado de cinismo. Sus ensamblajes y vídeos reflejan una mirada muy asertiva a problemáticas de nuestra sociedad sin caer en los clichés a los que estamos acostumbrados.

Me sorprendió mucho sin embargo, la ausencia de la escultura en esta feria. Recuerdo de años anteriores puestos que exhibían esculturas de madera o metal, pero este año reinó la pintura, el vídeo, la fotografía digital y los trabajos en medios mixtos. Definitivamente el medio escultórico no tuvo igual representación que otros. Algunos puestos incluyeron alguna que otra escultura, mayormente de pequeña escala y sin mayor trascendencia. En la parte del frente, el puesto de Botello tenía algunas cuatro o cinco esculturas de los años '70 y '80. Creo que no hay que comentarlas...Pero sí debo mencionar una tendencia a citar obras canónicas de la historia del arte occidental. Allí me tope con referencias a Bruegel, Chagall, Bosch, a los retratos flamencos del siglo XV y XVI, al Velorio, Rauschenberg, Warhol, y muchos otros. Estas referencias eran evidentes tanto en obras de artistas puertorriqueños como de otros países. Definitivamente la historia del arte se ha convertido en uno de los temas principales en la creación artística en el mundo occidental desde los tiempos de Duchamp (aunque referencias al arte de eras anteriores siempre han existido--evidente desde los tiempos de expansión del imperio romano en el siglo I y su obsesión con el arte griego). Estas apropiaciones e intervenciones a obras de arte de los grandes maestros demuestra el interés en reconocer precisamente esas obras que por años han formado un canon. A su vez problematizan y cuestionan la existencia de este y la lentitud con la que cambia a través del tiempo. Por otra parte, algunas de las referencias a los artistas mencionados son también derivativas y repetitivas. Es obvio que en las artes visuales la línea entre homenaje y crítica es muy fina. Y este hecho también se pone en evidencia en alguna de estas.

Kudos para la cafetera en bicicleta. A pesar de que su objetivo principal era repartir café gratuito a los visitantes, la cafetera sobre ruedas me pareció una obra de arte quizás más original e interesante que muchas de las que se presentaron allí. Vea la cafécleta en acción aquí.

Reseña: Entre][Tierra de Cristina Córdova

Recientemente visité el Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico específicamente para ver la exposición Entre][Tierra. De todo lo que ofrece el museo, esta exposición me llamó mucho la atención no sólo por las obras expuestas (que me parecen magníficas) si no también por la manera en que las piezas son presentadas al público. Las obras están distribuídas en tres salas contiguas y varían en tamaño de acuerdo a su ubicación. La artista, Cristina Córdova, una joven puertorriqueña comprometida con el medio escultórico crea unas figuras imponentes (incluso las de la 1era sala que son de pequeña escala) las cuales tienen simultáneamente un carácter podríamos decir misterioso y a la vez lúdico. La manera en la que estan expuestas resalta ambas cualidades. En la primera sala las piezas más pequeñas estan instaladas en pequeños soportes fijados a la pared en lugar de sobre los tradicionales pedestales. Para apreciarlas en detalle el observador debe levantar un poco su vista de modo que la obra de arte queda en una posición superior (en términos físicos y podríamos decir también simbólicos) al espectador. Para ser desmembradas visualmente, escrutadas, y observadas hay que subir a su nivel. En la segunda sala varias piezas de mayor escala también estan posicionadas sobre soportes poco convencionales. En este caso tres de estas sobre pedestales de casi cuatro pies de alto los cuales estan en constante movimiento haciendo que las piezas giren. En esta sala las obras y la instalación propiamente necesitan que el observador se quede en un sólo lugar y deje al arte recorrer su camino, son las piezas las que se exhiben por sí mismas. Al final, en la tercera sala (personalmente mi preferida) varias esculturas figurativas de gran escala se imponen y confrontan al observador. La fuerza de estas piezas es difícil de describir adecuadamente. Sus rostros intensos y severos son en ocasiones demasiado realistas y expresivos. Sin embargo no queda claro lo que estos intentan comunicar. La ambiguedad de estos rostros, los globos negros con su posible doble (o triple significación) así como la vestimenta y tamaño de las piezas llaman la atención al espacio de exposición y a su cualidad siempre ambivalente.

Me parece que en estos tiempos donde los espacios dedicados a las artes visuales son cambiantes, modificados, y codificados de diversas maneras, esta exposición presenta una oportunidad para reflexionar sobre el tema a través de la experiencia de uno de los medios artísticos más antiguos. A pesar de que quizás otras exposiciones en nuestro país han incluído presentaciones no tradicionales, para disfrutar de Entre][Tierra el arte y el espacio fuerzan al observador a sentirse consciente de su paso por la sala del museo, a observar el suelo, las paredes, los soportes, incluso el techo. En ella el diseño e instalación de exhibición son tan cruciales como las obras mismas. Puede encontrar información de la artista y sus trabajos aquí.

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Este blog pretende ser un espacio para la discusión de temas relacionados al arte y a la cultura en general con especial atención a las artes visuales, la crítica, y la tecnología. Con la intención de tener un alcance mayor, el blog incluirá escritos tanto en inglés como en español aprovechando así múltiples posibilidades de este medio de divulgación. El blog está en su inicios, así que vuelva pronto. Estaremos publicando artículos y comentarios de interés dentro de muy poco.