Del Greco a Goya a Camnitzer

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Este verano se presentó en el Museo de Arte de Ponce de Puerto Rico la exhibición Del Greco a Goya: Obras maestras del Museo del Prado. Este proyecto se suma a los numerosos esfuerzos de esta institución de poner al alcance de los residentes de la isla, un acervo de importantes obras, y con la presentación de éstas, ideas y puntos de reflexión. El éxito de la misma fue tal, que el museo pospuso la fecha de clausura una semana. La exhibición que contó con 24 obras del Museo del Prado en Madrid, y complementada por más de una docena de pinturas de la colección del MAP, merece un comentario positivo. 

Foto por: GCC

Llegué temprano al museo y ya había muchísima fila, lo cual no es común aquí en la isla. Por un dólar recibí una pequeña guía (disponible en inglés y en español) muy útil para navegar la exhibición. Esta refleja la organización de las obras en una estructura curatorial temática: pinturas religiosas, retratos, y bodegones. Aunque no incluye las imágenes, sí tiene la ficha técnica de cada obra y un texto didáctico correspondiente. Decidimos tomar un recorrido guiado el cual comenzó con el San Sebastián de El Greco y terminó con la explicación de La Batalla de Treviño de Francisco Oller, que aunque no es parte de la exhibición ésta última, es una reciente adquisición del museo y no se dejó pasar la oportunidad para señalarlo a los visitantes. La tradicional organización presentó las piezas por sus afinidades temáticas y resaltando la historia individual de cada una. La guía, así como los materiales didácticos fueron claves en establecer las conexiones entre obras y entre los temas que éstas representan. Además, el catálogo de la exhibición abunda en los personajes, las historias, y la procedencia de las piezas y por supuesto, documenta el trabajo investigativo que sirve de base para la misma. 

Pero en ésta visita en la que la expectativa de una buena exhibición fue satisfecha, me encontré con el arte conceptual de Luis Camnitzer y su proyecto Arte en Respuesta. Camnitzer, uruguayo de nacimiento, ha fluído por décadas en la corriente del arte conceptual. Su exhibición en el MAP se concentró en poner en diálogo obras suyas con obras de la colección permanente del museo. El resultado: genial. Aunque de seguro, otros visitantes difieren. Camnitzer juega con el fundamento conceptual que subyace algunas de las pinturas y esculturas de la instalación permanente cuestionando a su vez la respuesta del visitante/observador. Su intervención en las salas se hace incómoda para algunas personas. Muchos comentaban que esas "cosas" (todavía en el 2012 muchos resisten llamar "arte" al arte conceptual), no pegan. No corresponden. Sin embargo corresponden por demás. En sociedades altamente consumistas como la nuestra, no se consume lo suficiente visualmente. En los museos locales muchas veces los visitantes van como de prisa, mapa en mano "a ver qué es lo grandioso que tiene esto" como me decía una vez un estudiante. Consciente de lo que han representado los museos históricamente como instituciones a veces monolíticas, a veces estáticas, que promueven una visión específica de ciertos eventos e ideas (sobre todo hasta el siglo XIX), Camnitzer aprovecha estos espacios para desestabilizar precisamente eso que parece estar tan arraigado en los museos tradicionales y en los públicos más conservadores que llegan con ideas preconcebidas de lo que van a ver. Entre otras cosas, me agradó muchísimo el cuestionamiento sobre la visión y la mirada. En varias instancias de la exhibición, el artista nos fuerza a cambiar de papel: de ser observador, pasamos a ser observados por aquello que observamos. En otras palabras las obras de arte, los objetos inanimados son los que nos observan a medida que nos movemos por el espacio. Ese es el caso de su pieza Narciso, una de mis favoritas que consiste de dos fotografías expuestas en ambos extremos de una de las salas y en medio de las cuáles pasamos para ver pinturas de reyes y personajes históricos notables. De modo que somos observados y escrutados a la vez que nos hace consciente de nuestra presencia. Me hubiese encantado llevar a mis estudiantes a ver tan buena propuesta. Incluso, Camnitzer cuestiona su propia identidad como artista al exponer su Autorretrato, en el que un abanico de pie mueve un lápiz que cuelga de un hilo en la pared y el cual traza una línea (que asemeja un poco un sonrisa cínica) en la pared del museo. 

Valía tanto la pena ver la pieza dibujarse, como a los visitantes reaccionar a ella. Algo tan banal y tan simple, tan cotidiano, provoca reflexiones precisamente sobre lo que ha sido (y muy a menudo) esperamos que sea el papel del artista. Aquí Camnitzer al hacer que ésta línea se trace en el lugar donde usualmente se colgaría una pintura, se ríe (con una sonrisa duchampiana) de nuestras preconcebidas nociones de lo que es la tradición retratista europea. Al final, ¿qué es un retrato, si no una serie de marcas en una superficie?

Arte y gestión social--Art Center/South Florida

(fotografía por Gisela Carbonell-Coll)

Mucho se ha estado debatiendo sobre el papel del arte en momentos de crisis económica a nivel local y mundial. Así también hemos considerado el papel de la crisis económica en el mundo del arte. Incluso a nivel académico el debate ha cobrado una importancia mayor. Este verano por ejemplo, tomé un seminario intensivo en NYU sobre arte y política pública donde se examinó este tema a gran profundidad. A principios de año nos enteramos de la espeluznante noticia de la posible venta de la colección de The Rose Art Museum de Brandeis University en Boston y el subsecuente cierre de dicha institución (al día de hoy el museo continúa abierto y hay información de que el mismo aparentemente no se cerrará). Los esfuerzos de promover asuntos de relevancia social a través del arte se han convertido en esta coyuntura sumamente necesarios. A través de los medios de comunicación se nos bombardea constantemente con la fatalidad y el horror de nuestro momento histórico. Pero este momento histórico también goza de unos espacios e instancias de acción, de concienciación, y de cambio dignas de mencionar, de admirar, y sobre todo de emular.

Uno de estos espacios lo es el Art Center/South Florida localizado en el privilegiado vecindario de Miami Beach. El edificio principal del Art Center queda en la intersección de Lincoln Road (una de las vías principales de Miami Beach donde se encuentran restaurantes y tiendas de nivel relativamente alto) y Meridian Avenue. El mismo no es un museo. Tampoco es una galería comercial. Es más bien un espacio alternativo para crear, enseñar, y exhibir trabajos artísticos. El Art Center es una organización sin fines de lucro la cual provee residencias (espacios de taller usualmente por periodo de un año) a aproximadamente cuarenta artistas emergentes los cuales son elegidos por una junta al solicitar estos espacios de trabajo. Aquí se desmorona la visión mítica del artista bohemio, solitario y enigmático que lamentablemente muchas personas aún tienen en el siglo XXI. Por el contrario, el Art Center esta abierto al público general, no hay que hacer cita para ir, ni tampoco pagar para entrar. El público puede caminar libremente por los pasillos y ver a los artistas residentes trabajando. Muchos de ellos lo hacen a puerta abierta invitando a los visitantes a detenerse a saludar, preguntar y conversar. Y claro está, algunos tienen piezas a la venta. El ambiente me pareció fantástico. Además la localización le provee a estos artistas una oportunidad magnífica de exponerse y estrechar relaciones con los museos y las galerías del área de modo que puedan ampliar sus posibilidades. Pero eso no es todo. También cuenta con un espacio de exhibición el cual también es abierto al público y libre de costo. Allí pude ver la exposición Freedom Fighters, Freedom Fighters is their Name, Freedom Fighters is their Game. La misma consiste de afiches de películas ficticias que abordan figuras consideradas freedom fighters, algunas de ellas esclavas, abolicionistas y luchadores por los derechos civilies de los afro-americanos como Harriet Tubman, Nat Turner, y otros. La exhibición estuvo tremenda. Pero también me pareció sumamente interesante el que este tipo de propuesta viva y respire en uno de los sectores de lujo y privilegio en la ciudad de Miami; un área turística donde el art deco se entrelaza con el kitsch, el salitre, y las discotecas. Así que el Art Center en lugar de irse a un espacio marginado y desde allí intentar alcanzar al tipo de público que carece de impacto, se inserta en este lugar confrontando día a día este sector. A través de sus actividades también ofrecen cursos de arte, y otras actividades de servicio a varias comunidades.

En fin, que la próxima vez que vaya a Miami a visitar a sus familiares o a Orlando a visitar a Mickey Mouse, de la vuelta por Miami Beach. A pesar del estereotipo que muchos tienen de Miami, esta ciudad cuenta con una oferta artística y cultural interesante. No todo es playa, shopping y vida nocturna allí.

A continuación algunos lugares que recomiendo visitar cuando esté por Miami:

(puede encontrar direcciones, horarios e información fácilmente en internet)

-Art Center/South Florida (Lincoln Road)

-Britto Central Gallery (Lincoln Road)

-Lowe Art Museum, y jardín escultórico en la Universidad de Miami (Coral Gables)

-Art Deco Welcome Center y Art Deco Walking Tour (Ocean Drive, South Beach)

-Jackie Gleason Theater of the Performing Arts, escultura de Roy Lichtenstein en su jardín y el City of Miami Beach Walk of the Stars también en el jardín (Washington Avenue, Miami Beach)

-Bass Museum of Art (Park Avenue, South Beach)

-Holocaust Memorial (Meridian Avenue, South Beach)

-Museum of Contemporary Art (North Miami)

-Cows of Miami Lakes, Public Arts Project by Artist Xavier Cortada (varias instalaciones en el pueblo de Miami Lakes)

-Versace Mansion (Ocean Drive, South Beach)

CIRCA 09

Este fin de semana se llevó a cabo por 4ta vez la feria internacional de arte contemporáneo CIRCA 09 en el Centro de Convenciones de Puerto Rico. La feria reúne galerías y artistas de Puerto Rico y otros países del mundo para promover y vender su arte. Es una oportunidad de encuentro también para conocer artistas, aficionados al arte y hacer "networking." La feria, como en ocasiones anteriores, incluyó un gran número de puestos de exposición así que como de costumbre el recorrido fue largo. Además de la feria en el Centro de Convenciones, CIRCA organizó una serie de eventos en otros espacios. Este año celebraron los Circa Labs @ Plaza, un gran número de performances en el estacionamiento de Plaza las Américas en Hato Rey. Estos incluyeron presentaciones de varios Djs y de los artistas del arte del tatuaje del programa Miami Ink. Estos eventos se anunciaron un tanto en la prensa del país, pero sin embargo en la página de internet de CIRCA (www.circapr.com) no se hace mención alguna de los mismos. La página tampoco incluyó información sobre el itinerario de actividades relacionadas a la feria que se llevarían a cabo dentro o fuera del Centro (la versión impresa del programa sí estaba disponible al llegar a CIRCA).

Comparando con años anteriores, CIRCA se ha convertido en un evento sumamente ambicioso. La cantidad de artistas representados es extensa y la lista de los países participantes parece también ser más diversa con galerías y artistas de España, Alemania, Colombia, Venezuela, Canadá, etc. Como es de esperarse artistas puertorriqueños establecidos como Rafi Trelles, Arnaldo Roche, y Aarón Salabarrías entre muchos otros estuvieron representados allí. Me pareció muy positivo que se designara un área de "solo projects" donde promovían su arte algunos artistas emergentes. De estos se destaca en mi opinión el artsita Karlo Andrei-Ibarra. Su propuesta artística es de contenido social y político comunicada a través de metáforas, ironía, y ¿por qué no? un cierto grado de cinismo. Sus ensamblajes y vídeos reflejan una mirada muy asertiva a problemáticas de nuestra sociedad sin caer en los clichés a los que estamos acostumbrados.

Me sorprendió mucho sin embargo, la ausencia de la escultura en esta feria. Recuerdo de años anteriores puestos que exhibían esculturas de madera o metal, pero este año reinó la pintura, el vídeo, la fotografía digital y los trabajos en medios mixtos. Definitivamente el medio escultórico no tuvo igual representación que otros. Algunos puestos incluyeron alguna que otra escultura, mayormente de pequeña escala y sin mayor trascendencia. En la parte del frente, el puesto de Botello tenía algunas cuatro o cinco esculturas de los años '70 y '80. Creo que no hay que comentarlas...Pero sí debo mencionar una tendencia a citar obras canónicas de la historia del arte occidental. Allí me tope con referencias a Bruegel, Chagall, Bosch, a los retratos flamencos del siglo XV y XVI, al Velorio, Rauschenberg, Warhol, y muchos otros. Estas referencias eran evidentes tanto en obras de artistas puertorriqueños como de otros países. Definitivamente la historia del arte se ha convertido en uno de los temas principales en la creación artística en el mundo occidental desde los tiempos de Duchamp (aunque referencias al arte de eras anteriores siempre han existido--evidente desde los tiempos de expansión del imperio romano en el siglo I y su obsesión con el arte griego). Estas apropiaciones e intervenciones a obras de arte de los grandes maestros demuestra el interés en reconocer precisamente esas obras que por años han formado un canon. A su vez problematizan y cuestionan la existencia de este y la lentitud con la que cambia a través del tiempo. Por otra parte, algunas de las referencias a los artistas mencionados son también derivativas y repetitivas. Es obvio que en las artes visuales la línea entre homenaje y crítica es muy fina. Y este hecho también se pone en evidencia en alguna de estas.

Kudos para la cafetera en bicicleta. A pesar de que su objetivo principal era repartir café gratuito a los visitantes, la cafetera sobre ruedas me pareció una obra de arte quizás más original e interesante que muchas de las que se presentaron allí. Vea la cafécleta en acción aquí.

Reseña: Entre][Tierra de Cristina Córdova

Recientemente visité el Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico específicamente para ver la exposición Entre][Tierra. De todo lo que ofrece el museo, esta exposición me llamó mucho la atención no sólo por las obras expuestas (que me parecen magníficas) si no también por la manera en que las piezas son presentadas al público. Las obras están distribuídas en tres salas contiguas y varían en tamaño de acuerdo a su ubicación. La artista, Cristina Córdova, una joven puertorriqueña comprometida con el medio escultórico crea unas figuras imponentes (incluso las de la 1era sala que son de pequeña escala) las cuales tienen simultáneamente un carácter podríamos decir misterioso y a la vez lúdico. La manera en la que estan expuestas resalta ambas cualidades. En la primera sala las piezas más pequeñas estan instaladas en pequeños soportes fijados a la pared en lugar de sobre los tradicionales pedestales. Para apreciarlas en detalle el observador debe levantar un poco su vista de modo que la obra de arte queda en una posición superior (en términos físicos y podríamos decir también simbólicos) al espectador. Para ser desmembradas visualmente, escrutadas, y observadas hay que subir a su nivel. En la segunda sala varias piezas de mayor escala también estan posicionadas sobre soportes poco convencionales. En este caso tres de estas sobre pedestales de casi cuatro pies de alto los cuales estan en constante movimiento haciendo que las piezas giren. En esta sala las obras y la instalación propiamente necesitan que el observador se quede en un sólo lugar y deje al arte recorrer su camino, son las piezas las que se exhiben por sí mismas. Al final, en la tercera sala (personalmente mi preferida) varias esculturas figurativas de gran escala se imponen y confrontan al observador. La fuerza de estas piezas es difícil de describir adecuadamente. Sus rostros intensos y severos son en ocasiones demasiado realistas y expresivos. Sin embargo no queda claro lo que estos intentan comunicar. La ambiguedad de estos rostros, los globos negros con su posible doble (o triple significación) así como la vestimenta y tamaño de las piezas llaman la atención al espacio de exposición y a su cualidad siempre ambivalente.

Me parece que en estos tiempos donde los espacios dedicados a las artes visuales son cambiantes, modificados, y codificados de diversas maneras, esta exposición presenta una oportunidad para reflexionar sobre el tema a través de la experiencia de uno de los medios artísticos más antiguos. A pesar de que quizás otras exposiciones en nuestro país han incluído presentaciones no tradicionales, para disfrutar de Entre][Tierra el arte y el espacio fuerzan al observador a sentirse consciente de su paso por la sala del museo, a observar el suelo, las paredes, los soportes, incluso el techo. En ella el diseño e instalación de exhibición son tan cruciales como las obras mismas. Puede encontrar información de la artista y sus trabajos aquí.