Update

http://www.orlandosentinel.com/elsentinel/comunidad/os-es-curadora-hispana-ayuda-preservar-historia-museo-rollis-college-20180806-story.html

El Sueño de Venus, Dalí y el World’s Fair de 1939

Fotografía documental de la fachada del
Pabellón Sueño de Venus diseñado por
Salvador Dalí para el New York World's Fair
de 1939.

Mi más reciente artículo publicado en 80 grados titulado El Sueño de Venus, Dalí y el World's Fair de 1939 examina la participación del surrealista catalán en la feria mundial en Nueva York. Particularmente, se investiga la relación de Dalí con la cultura de masas americana, su relación con el canon de la historia del arte, y el lenguaje visual que utiliza para articular una crítica de la modernidad a la vez que mantiene una posición ambigua frente a esta. Para leer el artículo puede acceder el enlace que aparece a continuación.
El Sueño de Venus, Dalí y el World’s Fair de 1939

Artículo "Martin Lewis y Edward Hopper: Grabados de la ciudad 1920-1930s" por Gisela Carbonell-Coll

Edward Hopper, Night Shadows, 1921

Artículo publicado en la revista digital 80grados hoy viernes 30 de agosto de 2013. Puede acceder el texto a través del enlace a continuación. Este artículo examina las representaciones de la ciudad por estos dos grandes artistas del arte americano en los años 1920-1930s, tomando como pretexto la exhibición Hopper Drawing la cual se presenta en el Whitney Museum of American Art en Nueva York hasta el mes de octubre.

Martin Lewis y Edward Hopper: Grabados de la ciudad 1920-1930s

538: Miguel Ángel en Miami Beach

Foto por Gisela Carbonell

Ayer uno de los iconos del renacimiento italiano cumplió 538 años. Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni nació el 6 de marzo de 1475 y casi inmediatamente (exagerando un poco, por supuesto), comenzó a mostrar su incomparable talento manejando el mármol así como la pintura y la poesía. A los 13 años ingresó en el taller de Domenico Ghirlandaio, uno de los pintores destacados de su época y comprometido con enseñarle a Miguel Ángel a trabajar con la pintura al fresco, medio que el futuro maestro despreciaba (el propio biógrafo y artista de la época, Giorgio Vasari, aclara en su biografía de Miguel Ángel las alegaciones según él falsas, de que Ghirlandaio tenía algún tipo de conflicto o envidia con su alumno que le prevenía de ayudarle a aprender a trabajar con el medio del fresco y otras técnicas). El artista se movió con facilidad del taller de su maestro al Palacio de los Médici, a Roma a trabajar con el papa y convertirse en uno de esos que llamamos "hombre del renacimiento." Según los recuentos históricos conocidos, Miguel Ángel prefería trabajar solo, prefería mil veces el mármol a la pintura a la que consideraba un medio secundario, y sufrió a nivel personal los embates de trabajar en proyectos largos y arduos como la Capilla Sixtina los cuales lo alejaron de su verdadera pasión: la escultura. Describiendo el proceso de pintar la Capilla y la relación del artista con el Papa, nos dice Vasari del proyecto terminado:

"Esta obra ha sido y es verdaderamente el faro de nuestro arte, y ha sido tan útil y tan luminosa para el arte de la pintura, que bastó para iluminar el mundo, que durante tantos centenares de años había estado en las tinieblas."

Tanta gloria alcanzó en su momento nuestro querido Miguel Ángel, que aún a 538 años de su nacimiento lo seguimos celebrando. Y parecería que él y Leonardo da Vinci no son solo celebrados renacentistas, si no que también se han convertido en iconos de la cultura popular--vemos reproducciones de sus obras, a menudo de detalles de sus obras (pienso en la Creación de Adán de M.A. o en los ojos de la Mona Lisa por ejemplo) en camisetas, "mouse pads," posters, pegatinas y guarda pantallas. La reproducción desmedida de estas piezas las insertan en el manejo cotidiano de las cositas kitsch que tanto nos llaman la atención y que buscamos sin falta en las tiendas de los museos cuando visitamos. Desde cartucheras y delantales hasta llaveros y corbatas, las ubicuas mercancías reproducidas masivamente transportan las imágenes del David, la Creación de Adán, La Piedad a cada rincón del planeta. Y así con éstas su distorsión y el vacío de su falta de contexto. No critico a quiénes las compran; creo que son objetos fascinantes, y mantienen ese status en la medida en que estemos claros de lo que representan y de lo que representaron esas obras en su contexto original. Vale la pena aquí recordar lo esbozado por Walter Benjamin en su Work of Art in the Age of Mechanical Reproduction que da en el clavo con el asunto de la obra original versus sus múltiples iteraciones.

Una de éstas me la encontré hace unos años en una visita a una de las ciudades más kitsch de los Estados Unidos (en muchos sentidos) y a la vez más interesantes. Estando en Miami Beach fui por Ocean Drive, esa magnífica avenida repleta de hoteles Art Deco de los '20 y los '30, restaurantes y tiendas de souvenirs frente a la playa. Allí en una de estas tienditas se compraba el boleto para un Art Deco Architectural Tour en el cual se visitan varios de los hoteles y se le explica al grupo los orígenes de este estilo, sus características y exponentes principales. Entre anécdotas sobre Al Capone y otros personajes pintorescos de la época, aparece la cabeza del David de Miguel Ángel. En un pedestal compartido con el display de llaveros de Miami Beach estaba uno de los rostros más magníficos creados en la historia del arte occidental. Fragmentado y disembodied, la cabeza del joven con su mirada tensa y su pelo abundante se mezcla con la mercancía ofrecida para los turistas. Hecho de algún tipo de plástico blanco, el David sirve allí para modelar las corbatas adornadas con bordados Art Deco. Lo miré y lo miré y de todo fue lo más que me llamó la atención. ¿Qué hace el David de Miguel Ángel en Miami Beach? Rodeado de trajes de baño, calendarios, termos de agua shocking pink los flamingos lo acompañan mientras mira con seriedad a los turistas que hacen fila para pagar su boleto, para coger un recorrido que los hará conocedores de la arquitectura Art Deco, que les impartirá sabiduría sobre las simples líneas y curvas de este estilo, que les dará de qué hablar cuando regresen a casa, que les motivará a comprar uno o quizás dos libros caros de carpeta dura de fotos de estos edificios, y que quizás incluyan una que otra postal o imán que más nunca mirarán, y allí en ese tumulto de sol, salitre, pantalones cortos y sandalias, dentro del caos de colores brillantes y de olor a bloqueador solar, se yergue un referente cultural de fácil identificación. Se expone a las expresiones de "¡mira es el David!" Como que el acto de identificar nos redime de toda responsabilidad de conocer. Identificar es para muchos en momentos como éste conocer. Allí frente a las espaldas bronceadas de las turistas y los múltiples acentos de los que visitan por dos o tres días, la cabeza de la escultura marca un momento de familiaridad aunque no lo conozcamos en persona. Lejos de ser un símbolo que representa la fortaleza política de la ciudad de Florencia, las luchas frente al ducado de Milán, el poder de los Médici, y la realización de un joven Miguel Ángel pese a sus luchas personales, la cabeza desencajada de su valiente personaje nos echa una mirada seria y forzosamente se integra al frenesí tropical del momento. ¡Felíz año número 538 Miguel Ángel!

[Aclaro que durante la visita a la que hago referencia en este escrito el Visitor Center del Miami Design Preservation League estaba en construcción y por tanto los boletos para el recorrido guiado se adquirían en una de las tiendas del área. Hoy puede visitar el Miami Design Preservation League Visitor Center en 1001 Ocean Drive en Miami Beach].

Yellowism in jail

Two years in jail was the sentence for "yellowism artist" Wlodzimierz Umaniec, who vandalized a Mark Rothko painting at the Tate earlier this year.

http://www.bbc.co.uk/news/uk-england-london-20444436

Arte y política: 2012

Conferencia Arte y política: 2012 el jueves 1ero de noviembre a las 10:30a.m. en el salón 116MC de la UPR-Cayey

Artistas con Obama

Richard Serra, NOROMNEY, 14 x 14 in.

La publicación de un portafolio de trabajos gráficos de 19 artistas americanos podría resultar en una colaboración económica para la campaña a la reelección del Presidente Obama. Las imágenes, tan diversas como los artistas que las crearon, en algunos casos abstractas y en otros casos alusivas a momentos específicos de la campaña, suman un total de aproximadamente $30,000 según aparece en la página web de la campaña de Obama. Entre los artistas figuran grandes nombres del arte americano: Richard Serra, John Baldessari, Frank Gehry (el arquitecto que diseñó el Guggenheim, entre otros edificios famosos mundialmente), Ann Hamilton, David Hammons, Jasper Johns, Ellsworth Kelly, Bruce Nauman, Claes Oldenburg, James Rosenquist, y Ed Ruscha, entre otros. La lista lee como un "who's who" del arte americano de la segunda mitad del siglo pasado hasta el presente.  En NOROMNEY, Richard Serra, autor de múltiples obras arquitecto-esculturales en las que predominan las formas circulares, particularmente su controversial Tilted Arc, crea una esfera sobre una superficie oscura. Imperfecto, esquemático y hasta infantil, el círculo encierra un vacío que es tan ambiguo como las líneas que lo forman. El título de la pieza redime a la imagen. Como persuasivo trabajo de arte conceptual, su título NOROMNEY establece el negativo contundente que le da sentido y matiza su relevancia en el contexto específico actual. El rechazo al oponente del Presidente Obama a través de la palabra funciona como declaración directa mientras que la esfera mantiene su ambigüedad simbólica frente a ésta. Si es relevante o no estará por verse. Al parecer lo importante es que estos conocidos artistas puedan genera el interés necesario para que proceda la donación a la campaña. 

John Baldessari, Double Play: Feelings, 14 x 13 1/2 in

 En el caso de John Baldessari, su Double Play: Feelings alude a la controversial anécdota del candidato y ex-gobernador de Massachusetts Mitt Romney, quien según se divulgó en la prensa americana, llevó a su perro Seamus, un Irish Setter, en una jaula sobre el techo de su carro en un viaje familiar desde Massachusetts hasta Ontario por 12 horas. De acuerdo a varios reportes sobre el incidente, el pobre animal sufrió de diarreas forzando a la familia Romney a parar en el camino para limpiar los cristales del carro. Este evento, sucedido a principios de los años 80, provocó la reacción de muchos en el 2008 y 2012, tanto así que se creó una página en la red en la cual, con humor y sátira, los perros demuestran su rechazo al candidato republicano. Baldessari, conocido por trabajar con la imagen y el texto, (y en muchos casos, el texto como imagen), capta la anécdota de la mascota de Romney en su pieza, representando solo una parte de Seamus. Restringida a la periferia de la superficie, se ve la boca abierta de un perro, dientes afilados y lengua afuera--símbolo casi universal del jadeo del perro cansado, acalorado y sediento. La lengua cuelga del lado de la boca abierta; la tira rosada con un toque de humor y de "in your face" inmortaliza al pobre Seamus. El juego de palabras en el título, al igual que en el caso de Serra, lo hace aun más dramático y patético, incluso poniendo la palabra feelings al pie de la imagen. Me preguntaba en estos días, y le preguntaba a algunas amistades, si algún artista americano ha manifestado su apoyo a Romney. Al momento no he encontrado ninguno. Todos sabemos esta no es la primera vez que artistas de alguna manera u otra han mostrado apoyo a Obama. En la campaña presidencial del 2008 Shephard Fairey publicó su ya famosísimo afiche Hope que muestra la imagen del entonces candidato Obama en tonos de rojo, azul y crema con un look de personaje histórico y victorioso. El presidente definitivamente ha sido una figura atractiva tanto para artistas profesionales y experimentados como Chuck Close y otros, como para aficionados del arte callejero y homemade. La página Art of Obama amasa una gran cantidad de imágenes encontradas, impresas en artículos de consumo y circulación masiva, en pegatinas, la calle, etc., del presidente y su esposa que son enviadas de diversas partes del mundo. Desde Seamus hasta el propio Presidente Obama, (y hasta Leonardo da Vinci), somos nosotros, los productores y consumidores de la imagen quienes los hemos convertido en íconos, en leyendas mitificadas que nunca mueren. Veremos si es el caso después del próximo noviembre. 

Puede ver el portafolio completo de Artists for Obama en la página de la campaña aquí.

El retratista Chuck Close y el Presidente Obama

Artículo del Blouin ArtInfo
You Can Buy Chuck Close’s Tapestry Portrait of Barack Obama for $100,000 | In the Air: Art News & Gossip | ARTINFO.com

Barack Obama's Art Collection

Richard Diebenkorn, Berekeley,
No. 52, 1955

Barack Obama's Art Collection: The Obamas like art, and here's what they have to say about that. Also, Barack Obama wrote poetry?

(Article from the L Magazine)

El arte en las políticas de Obama y Romney

Foto del artículo
 Obama's 2013 Arts Budget

En estos días en los que he estado siguiendo de cerca la campaña electoral americana de ambos partidos, me he preguntado muchas veces qué pensarán los candidatos sobre el arte y la cultura. La campaña del Presidente Obama ha hecho expresiones anteriormente sobre esfuerzos para promover la creación artística en las escuelas y comunidades, y demostró interés en el tema al nombrar un comité asesor en las artes compuesto por músicos, actrices, y otros miembros de ese mundo. Pero en términos concretos, sabemos que el aspirante Mitt Romney ha declarado que de resultar electo a la presidencia, eliminaría los fondos federales para el National Endowment for the Arts (NEA), National Public Radio (NPR), y Public Broadcasting Service (PBS). Las consecuencias de ésta acción serían nefastas para la difusión de la cultura y la producción artística en los Estados Unidos. El Smithsonian Institution por ejemplo, entre otros, se verían en unas circunstancias adversas para procurar la continuidad de los trabajos que realizan. En el caso del Presidente Obama, sabemos que bajo su administración, aunque en manos de una mayoría republicana en el Congreso, redujo el presupuesto asignado a algunas de éstas agencias. Sin embargo ha hecho público su compromiso de restituir gran parte de estos fondos que son asignados por el Congreso.

Con una campaña presidencial tan cerrada, donde cada expresión emitida por los candidatos se convierte en un talking point a pocos minutos en la prensa y las redes sociales, la cultura y el arte no encuentran lugar en el discurso político que no sea para los sectores republicanos reafirmen su desaprobación con que fondos federales tengan algo que ver con el arte. Pero así mismo hemos visto como otros asuntos de importancia para los Estados Unidos se han quedado fuera de los discursos oficialistas de campaña. Pienso de momento en el asunto de la segunda enmienda sobre el fácil acceso a armas de fuego de gran alcance, el control del tráfico ilegal de drogas y armas, y otros que Romney no mencionó en su discurso de aceptación a la nominación para presidente en la recién concluída convención del Partido Republicano en Tampa. De todas maneras, no debemos olvidar, que aunque para algunos el arte es algo totalmente divorciado de la política y de los asuntos sociales, en realidad no es así. Ya hemos comentado aquí y aquí que la historia del mundo occidental nos ha mostrado lo contrario. Los grandes emperadores romanos, los faraones egipcios, y la iglesia durante la edad media (sí la incluyo aquí como si se tratara de una instancia política porque por varios siglos lo fue), se valieron del arte como su herramienta de propaganda política más útil. Quizás uno de los ejemplos más ilustrativos está en la forma en la que el gobierno de Hitler utilizó la arquitectura, artes visuales, cine, y la fotografía para dar forma a una ideología y volcar la opinión pública en su favor. Y en los tiempos modernos es muchas veces a través del arte y la obra arquitectónica que los políticos demuestran logros de obra completada, y conmemoran figuras significativas en sus respectivas ideologías.

Así que a medida que nos acercamos a la convención del Partido Demócrata la semana próxima y a las elecciones presidenciales, tengamos en mente el papel que el arte y la cultura han tenido el la historia política de los Estados Unidos, y reflexionemos sobre el que puede tener de cara a un nuevo cuatrenio. Les dejo un reciente artículo sobre el tema aquí: Obama's 2013 Arts Budget Focuses on Education, Mitigating NEA Cuts.

Del Greco a Goya a Camnitzer

www.museoarteponce.org

Este verano se presentó en el Museo de Arte de Ponce de Puerto Rico la exhibición Del Greco a Goya: Obras maestras del Museo del Prado. Este proyecto se suma a los numerosos esfuerzos de esta institución de poner al alcance de los residentes de la isla, un acervo de importantes obras, y con la presentación de éstas, ideas y puntos de reflexión. El éxito de la misma fue tal, que el museo pospuso la fecha de clausura una semana. La exhibición que contó con 24 obras del Museo del Prado en Madrid, y complementada por más de una docena de pinturas de la colección del MAP, merece un comentario positivo. 

Foto por: GCC

Llegué temprano al museo y ya había muchísima fila, lo cual no es común aquí en la isla. Por un dólar recibí una pequeña guía (disponible en inglés y en español) muy útil para navegar la exhibición. Esta refleja la organización de las obras en una estructura curatorial temática: pinturas religiosas, retratos, y bodegones. Aunque no incluye las imágenes, sí tiene la ficha técnica de cada obra y un texto didáctico correspondiente. Decidimos tomar un recorrido guiado el cual comenzó con el San Sebastián de El Greco y terminó con la explicación de La Batalla de Treviño de Francisco Oller, que aunque no es parte de la exhibición ésta última, es una reciente adquisición del museo y no se dejó pasar la oportunidad para señalarlo a los visitantes. La tradicional organización presentó las piezas por sus afinidades temáticas y resaltando la historia individual de cada una. La guía, así como los materiales didácticos fueron claves en establecer las conexiones entre obras y entre los temas que éstas representan. Además, el catálogo de la exhibición abunda en los personajes, las historias, y la procedencia de las piezas y por supuesto, documenta el trabajo investigativo que sirve de base para la misma. 

Pero en ésta visita en la que la expectativa de una buena exhibición fue satisfecha, me encontré con el arte conceptual de Luis Camnitzer y su proyecto Arte en Respuesta. Camnitzer, uruguayo de nacimiento, ha fluído por décadas en la corriente del arte conceptual. Su exhibición en el MAP se concentró en poner en diálogo obras suyas con obras de la colección permanente del museo. El resultado: genial. Aunque de seguro, otros visitantes difieren. Camnitzer juega con el fundamento conceptual que subyace algunas de las pinturas y esculturas de la instalación permanente cuestionando a su vez la respuesta del visitante/observador. Su intervención en las salas se hace incómoda para algunas personas. Muchos comentaban que esas "cosas" (todavía en el 2012 muchos resisten llamar "arte" al arte conceptual), no pegan. No corresponden. Sin embargo corresponden por demás. En sociedades altamente consumistas como la nuestra, no se consume lo suficiente visualmente. En los museos locales muchas veces los visitantes van como de prisa, mapa en mano "a ver qué es lo grandioso que tiene esto" como me decía una vez un estudiante. Consciente de lo que han representado los museos históricamente como instituciones a veces monolíticas, a veces estáticas, que promueven una visión específica de ciertos eventos e ideas (sobre todo hasta el siglo XIX), Camnitzer aprovecha estos espacios para desestabilizar precisamente eso que parece estar tan arraigado en los museos tradicionales y en los públicos más conservadores que llegan con ideas preconcebidas de lo que van a ver. Entre otras cosas, me agradó muchísimo el cuestionamiento sobre la visión y la mirada. En varias instancias de la exhibición, el artista nos fuerza a cambiar de papel: de ser observador, pasamos a ser observados por aquello que observamos. En otras palabras las obras de arte, los objetos inanimados son los que nos observan a medida que nos movemos por el espacio. Ese es el caso de su pieza Narciso, una de mis favoritas que consiste de dos fotografías expuestas en ambos extremos de una de las salas y en medio de las cuáles pasamos para ver pinturas de reyes y personajes históricos notables. De modo que somos observados y escrutados a la vez que nos hace consciente de nuestra presencia. Me hubiese encantado llevar a mis estudiantes a ver tan buena propuesta. Incluso, Camnitzer cuestiona su propia identidad como artista al exponer su Autorretrato, en el que un abanico de pie mueve un lápiz que cuelga de un hilo en la pared y el cual traza una línea (que asemeja un poco un sonrisa cínica) en la pared del museo. 

Valía tanto la pena ver la pieza dibujarse, como a los visitantes reaccionar a ella. Algo tan banal y tan simple, tan cotidiano, provoca reflexiones precisamente sobre lo que ha sido (y muy a menudo) esperamos que sea el papel del artista. Aquí Camnitzer al hacer que ésta línea se trace en el lugar donde usualmente se colgaría una pintura, se ríe (con una sonrisa duchampiana) de nuestras preconcebidas nociones de lo que es la tradición retratista europea. Al final, ¿qué es un retrato, si no una serie de marcas en una superficie?

"Surrealistas mirando al sur: la paradoja del mito colectivo"

"Surrealistas mirando al sur: la paradoja del mito colectivo," presentación de la Dra. Carbonell en el panel Influencias africanas en el arte y la literatura. Martes 13 de marzo de 2012 a las 10:30 a.m., Sala 119, Edificio Morales Carrión, Universidad de Puerto Rico en Cayey. Esta presentación es parte de las actividades en celebración de la Semana de las Humanidades dedicada al continente africano y su diáspora.

Restoring the Colosseum: Will it ever happen?

(From: Hyperallergic.com)
http://hyperallergic.com/45136/commercialism-fears-plague-colosseum-restoration/
Rome wasn’t built in a day and it’s taking even longer to restore. Marred by age, pollution and a poorly placed subway line, the Roman Colosseum’s restoration was supposed to be funded by Diego Della Valle, the president and chief executive of the Italian shoe firm Tod’s, but legal troubles and protests may force the shoe designer to rescind his €25 million offer.
Della Valle announced last year his generous feat of fully funding the Italian monument’s restoration, but some unions, regulators and consumer groups are suspicious of these actions and have reacted accordingly.
Aside from one group, the Antitrust Agency, accusing the deal of being in violation of competitive bidding rules, questions are being raised about the fact that the rights to the Colosseum’s logo and image will be granted to Tod’s for 15 years in exchange for the donation. Though the deal will allow the Tod’s logo on ground-level signs at the site and on the back of tickets, Della Valle has stated to WWD that he is:

” … not seeking commercial return through the sponsorship of the Colosseum, and that no company advertising will be visible on the monument during the works on the amphitheater.”

Though these matters are typically handled by the Italian government and not private funders, the economic crisis has forced a reliance on outside help. The worries of commercialism aren’t confined to this situation, of course. Architizer has reported on a surge of concerns over the vast amount of advertising in Rome that appears to be eclipsing the rest of the city, and they mention new legislation that may worsen the problem.
With all that said, I don’t necessarily believe there’s anything to worry about in this situation; it’s an unfortunate position to be in, but right now letting Tod’s put their logos around the amphitheater may be the only way left to prevent Rome’s history to literally crumble to the ground. Besides, it’s not as if Tod’s will turn the Colosseum into a shoe store. And hell, if they did, they can sell gladiator sandals and call it an historical shopping experience.
It’s surprising to see that one of our greatest ancient buildings can’t get funding any other way.
Image via Architizer

Ai WeiWei después del arresto

El artista chino y activista social Ai WeiWei ha resurgido luego de su arresto temprano en el 2011. Luego de ser arrestado por las autoridades chinas por supuesto fraude, y de no conocerse su paradero, el artista ha vuelto al taller con proyectos de contenido social y profundo, y que en gran medida aluden a su experiencia personal. El mundo del arte le ha seguido la pista y recientemente se han publicado vídeos documentales como por ejemplo Ai WeiWei: Without Fear or Favour en el que el propio WeiWei explica el proceso creativo para uno de sus más recientes proyectos titulado "Sunflower Seeds," o "Semillas de Girasol" el cual se presentó en el Tate en Londres y pronto en Boone Gallery en Nueva York. El proyecto, una exhibición y experiencia conceptual, invita al espectador a interactuar con sus partes constitutivas y a reflexionar sobre como él o ella se relaciona con su entorno. De la misma forma, el artista invita a considerar su propio trasfondo y su propia experiencia en el proceso. Según explica WeiWei, las semillas de girasol tienen un gran significado en la cultura china. Lo han tenido por muchísimos años. Carteles e imágenes de propaganda política muestran al líder político rodeado de girasoles que simbolizan el pueblo, mirando en su dirección como si el fuera un gran sol. Algunos carteles de propaganda de la época de Mao hacen uso de este esquema composicional. Para este proyecto, WeiWei empleó aproximadamente 1,600 personas de una villa pobre de China--estos confeccionaron 100 millones de semillas de girasol en cerámica y pintadas a mano. Por supuesto el uso de la ceramica tiene conexiones con las formas tradicionales de creación artística en ese país. Sin embargo, WeiWei de una manera sutil y explícita simultáneamente subvierte éste orden canónico para llamar la atención a la situación de su país y a sus experiencias que a su vez pueden ser las de cualquiera. Las semillas tienen una apariencia totalmente real. En la exhibición en Londres el público tuvo la oportunidad de caminar sobre ellas, sentirlas, oírlas y verlas en movimiento. Tanto interés ha generado este artista que ya su influencia se está haciendo sentir. La serie ART21 de BBC ha incluído al artista en un segmento de su exitosa serie sobre el arte del siglo XXI. Este cubre otros de sus proyectos como por ejemplo el de las cámaras de vigilancia hechas en mármol las cuales aluden directamente a las cámaras de seguridad que el gobierno chino colocó frente a su casa y taller una vez WeiWei fue liberado. El juego conceptual entre medio, sujeto, vigencia, y anacronismo transforma la manera de mirar y pensar sobre asuntos anteriormente discutidos. El artista como disidente provoca a la reflexión profunda sin abandonar, en mi opinión, la sutileza de lo bello, lo simple, lo armónico. Las millones de semillas que están haciendo su recorrido por diversos espacios de exhibición parecen sencillas y no particulares, sin embargo todas y cada una lleva en sí el trabajo y esfuerzo de un individuo quien trabajó en colaboración con el artista y con otro grupo de personas. Un anónimo. Un sujeto sin poder y sin dinero, sin altos rangos ni distinciones. WeiWei es un gran ejemplo de que para subvertir, cuestionar y denunciar no necesariamente hay que recurrir al "shock." La belleza pasiva de muchas de sus piezas es tan o más poderosa e impactante. Esperemos que sus creaciones sigan trayendo conciencia de asuntos tan serios como las libertades individuales, las transformaciones políticas, el movimiento y fluir de oriente-occidente, el trabajo, la dignidad y la trata humana. Y para eso el arte es excelente foro.

Museo bajo el agua

El Museo Subacuático de Arte es definitivamente uno de los destinos en mi lista para ir a ver en algún momento. El museo, instalado en el área de Cancún, consta de más de 400 esculturas sumergidas en el agua con el propósito de servir como arrecifes artificiales para aliviar los arrecifes naturales afectados por la gran cantidad de turistas que visita el área anualmente. La página del museo así como la página del artista Jason deCaires Taylor ofrecen información sobre el proyecto del MUSA en Cancún así como en otros lugares del mundo a los que deCaires Taylor ha sido invitado a colaborar con sus esculturas, además de hermosas fotos de las piezas escultóricas. Al contrario de las esculturas que encontramos en los museos comunmente expuestas sobre pedestales, alejadas del observador y glorificadas por años de historia, las esculturas subacuáticas están hechas para ser transformadas por la naturaleza. Son los microorganismos del océano los que decidirán el destino de estas figuras de concreto y piedra. Las obras no están a gran profundidad así que se pueden apreciar haciendo snorkeling o buseo, incluso algunas personas pueden sumergirse por unos segundos y observar algunas de ellas. Debe ser una experiencia fantástica ver la peculiaridad de cada pieza bajo el agua, sin los sonidos (o falta de ellos) de cuando uno va al museo. Añadido a mi lista está.

Arte en OWS: el Occupennial Art Database

Flow chart of the Declaration of the Occupation
by Rachel Schragis

 Este año ha sido hasta el momento uno de mucha ebullición artística particularmente en lo que respecta a los movimientos de protesta como las distintas manifestaciones de "occupy" alrededor del mundo. Como vía de expresión del descontento que muchos sienten en Nueva York con la situación laboral y económica, y las políticas de Wall Street frente a la crisis financiera del 99%, muchos artistas se han unido a los activistas y manifestantes participando de manera contundente en sus actividades. Pero también se han creado espacios para la participación de artistas emergentes, o en fin, aquellos que quieran utilizar el arte como vía de expresión de su denuncia o frustración. Estas expresiones se enmarcan dentro de unas auto-regulaciones creadas de manera inclusiva por los mismos manifestantes. Quizás el ejemplo más contundente de esto lo es The Occupennial Art Database, una organización cuya misión es documentar, organizar, y promover las expresiones artísticas en OWS. Su página en internet provee un calendario de eventos, base de datos de artistas de diferentes disciplinas y un gran cúmulo de información sobre el movimiento OWS y sobre cómo las diversas expresiones artísticas que han surgido de ésta representan algunas de las ideas que han servido como motor del movimiento. La página también incluye un "press database" dedicado a recoger las noticias o artículos que abordan el tema del arte en OWS, incluyendo el interesante debate sobre "occupy museums" que ha estado circulando en internet en las últimas semanas y que incluyó algunas manifestaciones en las casas de subasta Sotheby's luego del despido de preparadores de exhibiciones sindicados por parte de la administración de la misma. En fin, un recurso interesante y útil para entender y estar al día sobre OWS desde la perspectiva de la acción artística. Además, una muestra de cómo la tecnología toma papel central en documentar lo que de otra forma sería arte efímero.

Did Van Gogh kill himself? It shouldn't really matter | Art and design | guardian.co.uk

Did Van Gogh kill himself? It shouldn't really matter | Art and design | guardian.co.uk

"Make Art. Make Progress:" Obama y Roosevelt

Logo de la convocatoria del Presidente Obama

En estos días el Presidente Obama está ocupadísimo buscando el apoyo del pueblo americano para enviar un mensaje contundente al Congreso (particularmente a sus miembros del Partido Republicano): de que aprueben el American Jobs Act lo antes posible. El propuesto plan, que incluye el emplear a miles de americanos desempleados para reconstruir escuelas, reparar puentes y carreteras, emplear maestros e incentivar empleadores con reducciones de impuestos, entre otras cosas, se ha estado debatiendo en los medios en un momento en el que Wall Street está siendo ocupada por los llamados indignados siguiendo el ejemplo de movimientos de protesta en Barcelona, Madrid, Atenas, y Londres recientemente. Obama se caracterizó indudablemente (al menos en su campaña presidencial) por ser un líder carismático e innovador que rompió esquemas. Ahora, y como parte de sus estrategias, el presidente mira la historia de momentos frágiles de la economía de los Estados Unidos e impulsa iniciativas que en décadas previas tuvieron éxito en el desarrollo de soluciones temporeras a problemas financieros. Me refiero particularmente a estrategias relacionadas con el estímulo de la creación artística durante la administración del Presidente Franklin D. Roosevelt. En los 1930s como parte del New Deal se creó el Works Progress Administration (1935). Una de sus ramas más significativas en el desarrollo del arte americano del siglo XX lo fue el Federal Arts Project. Este último se crea con el objetivo de emplear artistas desempleados para que crearan obras con las que decorar espacios públicos y a su vez educar al pueblo. El WPA empleó a más de 8,500,000 personas en un periodo de aproximadamente 8 años, muchos de éstos fueron artistas adscritos al Federal Arts Project. Estos artistas, muchos de los cuales se convirtieron en íconos del arte americano poco tiempo después, crearon afiches para promover el arte americano, la literatura y el teatro, así como para educar a la población, pinturas, murales, esculturas y monumentos para escuelas, hospitales y parques. Entre los artistas que participaron del WPA están figuras como Romare Bearden, Stuart Davis, Thomas Hart Benton, Jacob Lawrence, Lee Krasner, John Marin, Diego Rivera, Mark Rothko, Ben Shan y Grant Wood, entre muchos otros. La lista es extensa e impresionante; fueron muchos de estos artistas los que conformaron un arte americano vernáculo y contemporáneo al mismo tiempo--claro está con las debidas excepciones.

Ahora, el Presidente Obama lanza una campaña que aunque no es lo mismo que lo que fue la WPA por supuesto, sin embargo combina los esfuerzos de emplear grandes cantidades de personas para aliviar un poco la crisis económica. Y como parte de este esfuerzo ha hecho una convocatoria nacional para el diseño de afiches que promuevan los puntos principales del American Jobs Act y la reelección del presidente. La convocatoria que lleva por nombre y lema Art Works: A Poster Contest to Support American Jobs  estará aceptando propuestas hasta el 4 de noviembre de 2011 y según su página, los doce diseños finalistas se abrirán a votación. En la página se ofrecen algunos ejemplos o sugerencias para la creación de los afiches los cuales según informan, estarán a la venta aunque no se especifica precio aun. Confieso que tengo muchísima curiosidad de ver los diseños finalistas, si éstos serán los de artistas emergentes o de artistas establecidos, y si este tipo de convocatoria dará pie a otras iniciativas para el estímulo de la creación artística como parte de un plan de política pública. Sabemos el potencial que tiene la imagen de crear una opinión pública sobre ideologías. Lo vimos en la campaña presidencial del 2008 precisamente con el afiche de la imagen de Obama, entonces candidato a la presidencia, creado por el artista gráfico Shepard Fairey, el cual resalta el rostro de Obama en rojo, azul y crema, y que está acentuado por la palabra hope en unos ejemplares o change en otros. Esta se convirtió en la imagen icónica de la campaña de Obama y lo que éste representó para muchos americanos durante la misma.

Veremos qué resultado tiene la convocatoria para los afiches en menos de un mes. Y por supuesto, en menos de un mes también el Congreso tendrá que decidir si aprueba el proyecto de ley o no. Algunos expertos indican que es posible se aprueben sólo algunas secciones del mismo pero poco probable la aprobación del proyecto íntegro. De cualquier manera, habrá que ver qué papel jugarán estos afiches no sólo en la política del momento, si no a largo plazo el impacto que tengan en la historia del arte americano como la tuvieron las obras creadas por aquellos que empleó el Federal Arts Project en la década del '30 y el '40. Sólo el tiempo dirá.

Steve Jobs, designer of a generation - CNN.com

Steve Jobs, designer of a generation - CNN.com

Comentarios de Glenn Lowry, director del MoMA sobre el legado de Steve Jobs.

El Sueño de Dalí

Respondiendo al señalamiento de un buen amigo, quien como a modo de reclamo comentó sobre el largo periodo de tiempo sin escribir en el blog, aprovecho esta coyuntura para reactivar este espacio con uno de mis temas favoritos: Salvador Dalí.

El fin de semana pasado tuve la oportunidad de ir a ver una pieza teatral titulada El Sueño de Dalí en el Centro de Bellas Artes de Santurce. Confieso que al principio pensé en este proyecto con alguna suspicacia. Ver a Dalí con Lorca y Buñuel ya supone (desafortunadamente) algunas preconcepciones por parte de algunos que solo conocen datos de la vida personal de los artistas durante ese periodo de su juventud. Y vamos al grano, a muchos nos encantan los temas relacionados con la sexualidad de los famosos. Sin embargo, tengo que admitir que la pieza me impactó positivamente en todos los renglones. Se llevó a cabo en la Sala Experimental por lo cual el público estaba muy próximo a los actores, casi ocupando el mismo espacio y formando parte de su entorno. La escenografía sencilla pero significativa y puntual: un diván, caballete, telas con relojes blandos, nubes, una mesita de café, una pintura de Cristo crucificado acompañando una fotografía del primer Salvador--el hermano del artista quien había muerto antes de este nacer y quien llevó su mismo nombre. Históricamente correcta y generalmente fiel a su biografía, la pieza presentó no solo de manera dramática y a veces jocosa las incidencias de Dalí con estas figuras que le rodearon en un momento de su vida, si no que el final, totalmente inesperado en mi opinión, nos plantea una confrontación ineludible con nuestra propia realidad social en el siglo XXI y aquí en Puerto Rico. Las actuaciones estuvieron magníficas. Las imágenes creadas y las re-creadas tomaban en cuenta la visión surrealista y paranoica de Dalí, y a su vez su contexto convulso y cambiante. En fin, una oportunidad magnífica para disfrutar la magia del teatro y el sueño daliniano.
Lee más sobre la obra en El sueño de Dalí: una obra accesible