El retratista Chuck Close y el Presidente Obama

Artículo del Blouin ArtInfo
You Can Buy Chuck Close’s Tapestry Portrait of Barack Obama for $100,000 | In the Air: Art News & Gossip | ARTINFO.com

Barack Obama's Art Collection

Richard Diebenkorn, Berekeley,
No. 52, 1955

Barack Obama's Art Collection: The Obamas like art, and here's what they have to say about that. Also, Barack Obama wrote poetry?

(Article from the L Magazine)

El arte en las políticas de Obama y Romney

Foto del artículo
 Obama's 2013 Arts Budget

En estos días en los que he estado siguiendo de cerca la campaña electoral americana de ambos partidos, me he preguntado muchas veces qué pensarán los candidatos sobre el arte y la cultura. La campaña del Presidente Obama ha hecho expresiones anteriormente sobre esfuerzos para promover la creación artística en las escuelas y comunidades, y demostró interés en el tema al nombrar un comité asesor en las artes compuesto por músicos, actrices, y otros miembros de ese mundo. Pero en términos concretos, sabemos que el aspirante Mitt Romney ha declarado que de resultar electo a la presidencia, eliminaría los fondos federales para el National Endowment for the Arts (NEA), National Public Radio (NPR), y Public Broadcasting Service (PBS). Las consecuencias de ésta acción serían nefastas para la difusión de la cultura y la producción artística en los Estados Unidos. El Smithsonian Institution por ejemplo, entre otros, se verían en unas circunstancias adversas para procurar la continuidad de los trabajos que realizan. En el caso del Presidente Obama, sabemos que bajo su administración, aunque en manos de una mayoría republicana en el Congreso, redujo el presupuesto asignado a algunas de éstas agencias. Sin embargo ha hecho público su compromiso de restituir gran parte de estos fondos que son asignados por el Congreso.

Con una campaña presidencial tan cerrada, donde cada expresión emitida por los candidatos se convierte en un talking point a pocos minutos en la prensa y las redes sociales, la cultura y el arte no encuentran lugar en el discurso político que no sea para los sectores republicanos reafirmen su desaprobación con que fondos federales tengan algo que ver con el arte. Pero así mismo hemos visto como otros asuntos de importancia para los Estados Unidos se han quedado fuera de los discursos oficialistas de campaña. Pienso de momento en el asunto de la segunda enmienda sobre el fácil acceso a armas de fuego de gran alcance, el control del tráfico ilegal de drogas y armas, y otros que Romney no mencionó en su discurso de aceptación a la nominación para presidente en la recién concluída convención del Partido Republicano en Tampa. De todas maneras, no debemos olvidar, que aunque para algunos el arte es algo totalmente divorciado de la política y de los asuntos sociales, en realidad no es así. Ya hemos comentado aquí y aquí que la historia del mundo occidental nos ha mostrado lo contrario. Los grandes emperadores romanos, los faraones egipcios, y la iglesia durante la edad media (sí la incluyo aquí como si se tratara de una instancia política porque por varios siglos lo fue), se valieron del arte como su herramienta de propaganda política más útil. Quizás uno de los ejemplos más ilustrativos está en la forma en la que el gobierno de Hitler utilizó la arquitectura, artes visuales, cine, y la fotografía para dar forma a una ideología y volcar la opinión pública en su favor. Y en los tiempos modernos es muchas veces a través del arte y la obra arquitectónica que los políticos demuestran logros de obra completada, y conmemoran figuras significativas en sus respectivas ideologías.

Así que a medida que nos acercamos a la convención del Partido Demócrata la semana próxima y a las elecciones presidenciales, tengamos en mente el papel que el arte y la cultura han tenido el la historia política de los Estados Unidos, y reflexionemos sobre el que puede tener de cara a un nuevo cuatrenio. Les dejo un reciente artículo sobre el tema aquí: Obama's 2013 Arts Budget Focuses on Education, Mitigating NEA Cuts.

Del Greco a Goya a Camnitzer

www.museoarteponce.org

Este verano se presentó en el Museo de Arte de Ponce de Puerto Rico la exhibición Del Greco a Goya: Obras maestras del Museo del Prado. Este proyecto se suma a los numerosos esfuerzos de esta institución de poner al alcance de los residentes de la isla, un acervo de importantes obras, y con la presentación de éstas, ideas y puntos de reflexión. El éxito de la misma fue tal, que el museo pospuso la fecha de clausura una semana. La exhibición que contó con 24 obras del Museo del Prado en Madrid, y complementada por más de una docena de pinturas de la colección del MAP, merece un comentario positivo. 

Foto por: GCC

Llegué temprano al museo y ya había muchísima fila, lo cual no es común aquí en la isla. Por un dólar recibí una pequeña guía (disponible en inglés y en español) muy útil para navegar la exhibición. Esta refleja la organización de las obras en una estructura curatorial temática: pinturas religiosas, retratos, y bodegones. Aunque no incluye las imágenes, sí tiene la ficha técnica de cada obra y un texto didáctico correspondiente. Decidimos tomar un recorrido guiado el cual comenzó con el San Sebastián de El Greco y terminó con la explicación de La Batalla de Treviño de Francisco Oller, que aunque no es parte de la exhibición ésta última, es una reciente adquisición del museo y no se dejó pasar la oportunidad para señalarlo a los visitantes. La tradicional organización presentó las piezas por sus afinidades temáticas y resaltando la historia individual de cada una. La guía, así como los materiales didácticos fueron claves en establecer las conexiones entre obras y entre los temas que éstas representan. Además, el catálogo de la exhibición abunda en los personajes, las historias, y la procedencia de las piezas y por supuesto, documenta el trabajo investigativo que sirve de base para la misma. 

Pero en ésta visita en la que la expectativa de una buena exhibición fue satisfecha, me encontré con el arte conceptual de Luis Camnitzer y su proyecto Arte en Respuesta. Camnitzer, uruguayo de nacimiento, ha fluído por décadas en la corriente del arte conceptual. Su exhibición en el MAP se concentró en poner en diálogo obras suyas con obras de la colección permanente del museo. El resultado: genial. Aunque de seguro, otros visitantes difieren. Camnitzer juega con el fundamento conceptual que subyace algunas de las pinturas y esculturas de la instalación permanente cuestionando a su vez la respuesta del visitante/observador. Su intervención en las salas se hace incómoda para algunas personas. Muchos comentaban que esas "cosas" (todavía en el 2012 muchos resisten llamar "arte" al arte conceptual), no pegan. No corresponden. Sin embargo corresponden por demás. En sociedades altamente consumistas como la nuestra, no se consume lo suficiente visualmente. En los museos locales muchas veces los visitantes van como de prisa, mapa en mano "a ver qué es lo grandioso que tiene esto" como me decía una vez un estudiante. Consciente de lo que han representado los museos históricamente como instituciones a veces monolíticas, a veces estáticas, que promueven una visión específica de ciertos eventos e ideas (sobre todo hasta el siglo XIX), Camnitzer aprovecha estos espacios para desestabilizar precisamente eso que parece estar tan arraigado en los museos tradicionales y en los públicos más conservadores que llegan con ideas preconcebidas de lo que van a ver. Entre otras cosas, me agradó muchísimo el cuestionamiento sobre la visión y la mirada. En varias instancias de la exhibición, el artista nos fuerza a cambiar de papel: de ser observador, pasamos a ser observados por aquello que observamos. En otras palabras las obras de arte, los objetos inanimados son los que nos observan a medida que nos movemos por el espacio. Ese es el caso de su pieza Narciso, una de mis favoritas que consiste de dos fotografías expuestas en ambos extremos de una de las salas y en medio de las cuáles pasamos para ver pinturas de reyes y personajes históricos notables. De modo que somos observados y escrutados a la vez que nos hace consciente de nuestra presencia. Me hubiese encantado llevar a mis estudiantes a ver tan buena propuesta. Incluso, Camnitzer cuestiona su propia identidad como artista al exponer su Autorretrato, en el que un abanico de pie mueve un lápiz que cuelga de un hilo en la pared y el cual traza una línea (que asemeja un poco un sonrisa cínica) en la pared del museo. 

Valía tanto la pena ver la pieza dibujarse, como a los visitantes reaccionar a ella. Algo tan banal y tan simple, tan cotidiano, provoca reflexiones precisamente sobre lo que ha sido (y muy a menudo) esperamos que sea el papel del artista. Aquí Camnitzer al hacer que ésta línea se trace en el lugar donde usualmente se colgaría una pintura, se ríe (con una sonrisa duchampiana) de nuestras preconcebidas nociones de lo que es la tradición retratista europea. Al final, ¿qué es un retrato, si no una serie de marcas en una superficie?

"Surrealistas mirando al sur: la paradoja del mito colectivo"

"Surrealistas mirando al sur: la paradoja del mito colectivo," presentación de la Dra. Carbonell en el panel Influencias africanas en el arte y la literatura. Martes 13 de marzo de 2012 a las 10:30 a.m., Sala 119, Edificio Morales Carrión, Universidad de Puerto Rico en Cayey. Esta presentación es parte de las actividades en celebración de la Semana de las Humanidades dedicada al continente africano y su diáspora.

Restoring the Colosseum: Will it ever happen?

(From: Hyperallergic.com)
http://hyperallergic.com/45136/commercialism-fears-plague-colosseum-restoration/
Rome wasn’t built in a day and it’s taking even longer to restore. Marred by age, pollution and a poorly placed subway line, the Roman Colosseum’s restoration was supposed to be funded by Diego Della Valle, the president and chief executive of the Italian shoe firm Tod’s, but legal troubles and protests may force the shoe designer to rescind his €25 million offer.
Della Valle announced last year his generous feat of fully funding the Italian monument’s restoration, but some unions, regulators and consumer groups are suspicious of these actions and have reacted accordingly.
Aside from one group, the Antitrust Agency, accusing the deal of being in violation of competitive bidding rules, questions are being raised about the fact that the rights to the Colosseum’s logo and image will be granted to Tod’s for 15 years in exchange for the donation. Though the deal will allow the Tod’s logo on ground-level signs at the site and on the back of tickets, Della Valle has stated to WWD that he is:

” … not seeking commercial return through the sponsorship of the Colosseum, and that no company advertising will be visible on the monument during the works on the amphitheater.”

Though these matters are typically handled by the Italian government and not private funders, the economic crisis has forced a reliance on outside help. The worries of commercialism aren’t confined to this situation, of course. Architizer has reported on a surge of concerns over the vast amount of advertising in Rome that appears to be eclipsing the rest of the city, and they mention new legislation that may worsen the problem.
With all that said, I don’t necessarily believe there’s anything to worry about in this situation; it’s an unfortunate position to be in, but right now letting Tod’s put their logos around the amphitheater may be the only way left to prevent Rome’s history to literally crumble to the ground. Besides, it’s not as if Tod’s will turn the Colosseum into a shoe store. And hell, if they did, they can sell gladiator sandals and call it an historical shopping experience.
It’s surprising to see that one of our greatest ancient buildings can’t get funding any other way.
Image via Architizer

Ai WeiWei después del arresto

El artista chino y activista social Ai WeiWei ha resurgido luego de su arresto temprano en el 2011. Luego de ser arrestado por las autoridades chinas por supuesto fraude, y de no conocerse su paradero, el artista ha vuelto al taller con proyectos de contenido social y profundo, y que en gran medida aluden a su experiencia personal. El mundo del arte le ha seguido la pista y recientemente se han publicado vídeos documentales como por ejemplo Ai WeiWei: Without Fear or Favour en el que el propio WeiWei explica el proceso creativo para uno de sus más recientes proyectos titulado "Sunflower Seeds," o "Semillas de Girasol" el cual se presentó en el Tate en Londres y pronto en Boone Gallery en Nueva York. El proyecto, una exhibición y experiencia conceptual, invita al espectador a interactuar con sus partes constitutivas y a reflexionar sobre como él o ella se relaciona con su entorno. De la misma forma, el artista invita a considerar su propio trasfondo y su propia experiencia en el proceso. Según explica WeiWei, las semillas de girasol tienen un gran significado en la cultura china. Lo han tenido por muchísimos años. Carteles e imágenes de propaganda política muestran al líder político rodeado de girasoles que simbolizan el pueblo, mirando en su dirección como si el fuera un gran sol. Algunos carteles de propaganda de la época de Mao hacen uso de este esquema composicional. Para este proyecto, WeiWei empleó aproximadamente 1,600 personas de una villa pobre de China--estos confeccionaron 100 millones de semillas de girasol en cerámica y pintadas a mano. Por supuesto el uso de la ceramica tiene conexiones con las formas tradicionales de creación artística en ese país. Sin embargo, WeiWei de una manera sutil y explícita simultáneamente subvierte éste orden canónico para llamar la atención a la situación de su país y a sus experiencias que a su vez pueden ser las de cualquiera. Las semillas tienen una apariencia totalmente real. En la exhibición en Londres el público tuvo la oportunidad de caminar sobre ellas, sentirlas, oírlas y verlas en movimiento. Tanto interés ha generado este artista que ya su influencia se está haciendo sentir. La serie ART21 de BBC ha incluído al artista en un segmento de su exitosa serie sobre el arte del siglo XXI. Este cubre otros de sus proyectos como por ejemplo el de las cámaras de vigilancia hechas en mármol las cuales aluden directamente a las cámaras de seguridad que el gobierno chino colocó frente a su casa y taller una vez WeiWei fue liberado. El juego conceptual entre medio, sujeto, vigencia, y anacronismo transforma la manera de mirar y pensar sobre asuntos anteriormente discutidos. El artista como disidente provoca a la reflexión profunda sin abandonar, en mi opinión, la sutileza de lo bello, lo simple, lo armónico. Las millones de semillas que están haciendo su recorrido por diversos espacios de exhibición parecen sencillas y no particulares, sin embargo todas y cada una lleva en sí el trabajo y esfuerzo de un individuo quien trabajó en colaboración con el artista y con otro grupo de personas. Un anónimo. Un sujeto sin poder y sin dinero, sin altos rangos ni distinciones. WeiWei es un gran ejemplo de que para subvertir, cuestionar y denunciar no necesariamente hay que recurrir al "shock." La belleza pasiva de muchas de sus piezas es tan o más poderosa e impactante. Esperemos que sus creaciones sigan trayendo conciencia de asuntos tan serios como las libertades individuales, las transformaciones políticas, el movimiento y fluir de oriente-occidente, el trabajo, la dignidad y la trata humana. Y para eso el arte es excelente foro.

Museo bajo el agua

El Museo Subacuático de Arte es definitivamente uno de los destinos en mi lista para ir a ver en algún momento. El museo, instalado en el área de Cancún, consta de más de 400 esculturas sumergidas en el agua con el propósito de servir como arrecifes artificiales para aliviar los arrecifes naturales afectados por la gran cantidad de turistas que visita el área anualmente. La página del museo así como la página del artista Jason deCaires Taylor ofrecen información sobre el proyecto del MUSA en Cancún así como en otros lugares del mundo a los que deCaires Taylor ha sido invitado a colaborar con sus esculturas, además de hermosas fotos de las piezas escultóricas. Al contrario de las esculturas que encontramos en los museos comunmente expuestas sobre pedestales, alejadas del observador y glorificadas por años de historia, las esculturas subacuáticas están hechas para ser transformadas por la naturaleza. Son los microorganismos del océano los que decidirán el destino de estas figuras de concreto y piedra. Las obras no están a gran profundidad así que se pueden apreciar haciendo snorkeling o buseo, incluso algunas personas pueden sumergirse por unos segundos y observar algunas de ellas. Debe ser una experiencia fantástica ver la peculiaridad de cada pieza bajo el agua, sin los sonidos (o falta de ellos) de cuando uno va al museo. Añadido a mi lista está.

Arte en OWS: el Occupennial Art Database

Flow chart of the Declaration of the Occupation
by Rachel Schragis

 Este año ha sido hasta el momento uno de mucha ebullición artística particularmente en lo que respecta a los movimientos de protesta como las distintas manifestaciones de "occupy" alrededor del mundo. Como vía de expresión del descontento que muchos sienten en Nueva York con la situación laboral y económica, y las políticas de Wall Street frente a la crisis financiera del 99%, muchos artistas se han unido a los activistas y manifestantes participando de manera contundente en sus actividades. Pero también se han creado espacios para la participación de artistas emergentes, o en fin, aquellos que quieran utilizar el arte como vía de expresión de su denuncia o frustración. Estas expresiones se enmarcan dentro de unas auto-regulaciones creadas de manera inclusiva por los mismos manifestantes. Quizás el ejemplo más contundente de esto lo es The Occupennial Art Database, una organización cuya misión es documentar, organizar, y promover las expresiones artísticas en OWS. Su página en internet provee un calendario de eventos, base de datos de artistas de diferentes disciplinas y un gran cúmulo de información sobre el movimiento OWS y sobre cómo las diversas expresiones artísticas que han surgido de ésta representan algunas de las ideas que han servido como motor del movimiento. La página también incluye un "press database" dedicado a recoger las noticias o artículos que abordan el tema del arte en OWS, incluyendo el interesante debate sobre "occupy museums" que ha estado circulando en internet en las últimas semanas y que incluyó algunas manifestaciones en las casas de subasta Sotheby's luego del despido de preparadores de exhibiciones sindicados por parte de la administración de la misma. En fin, un recurso interesante y útil para entender y estar al día sobre OWS desde la perspectiva de la acción artística. Además, una muestra de cómo la tecnología toma papel central en documentar lo que de otra forma sería arte efímero.

Did Van Gogh kill himself? It shouldn't really matter | Art and design | guardian.co.uk

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